Hotter Than July (Tamla, 1980), Stevie Wonder

Por Sidney Falcão

Em 1980, Stevie Wonder já não era apenas um nome de destaque no universo da música negra norte-americana — era uma entidade viva da cultura pop mundial. Após uma década brilhante nos anos 1970, onde lançou álbuns visionários como Talking Book (1972), Innervisions (1973) e Songs in the Key of Life (1976), Stevie parecia pairar acima do tempo. Sua música transcendia fronteiras — era funk, era soul, era pop, era política, era espírito.

Mas o fim da década de 1970 foi, também, um tempo de transição. O álbum anterior, Journey Through the Secret Life of Plants (1979), havia dividido opiniões. Ambicioso, experimental e em partes instrumental, o disco não encontrou facilmente seu lugar entre o público e os críticos, deixando no ar a pergunta: o que Stevie faria a seguir?

Hotter Than July surge como resposta

Lançado em setembro de 1980, o álbum é ao mesmo tempo uma retomada e uma afirmação. Retomada porque volta à estrutura canção a canção, de fácil assimilação, com letras cantadas, refrões pegajosos e um clima musical mais solar, mais direto, mais dançante. E afirmação porque Stevie mostra que ainda tem pleno controle sobre sua arte, seu discurso e sua relevância.

Mas é preciso olhar além da superfície. Hotter Than July não é só um retorno pop. É um disco atravessado por tensões — sociais, raciais, amorosas, existenciais. É um disco que dança enquanto denuncia, que sorri sem esconder a cicatriz. É um verão quente, sim — mas há também fumaça no horizonte.

Os Estados Unidos eram um país ainda tensionado pela década anterior. A crise do petróleo, a inflação, o aumento do desemprego e as feridas abertas da luta pelos direitos civis ainda latejavam. Em poucos meses, Ronald Reagan assumiria a presidência, dando início à era conservadora que marcaria os anos 1980. E a música negra — em particular o soul e o funk — começava a perder espaço para o disco-pop, enquanto o hip-hop surgia no subterrâneo de Nova York como nova forma de resistência cultural.

É nesse cenário que Stevie lança um disco profundamente político, mas embalado em melodias que abraçam o ouvinte. Ele sabia que, para ser ouvido, precisava tocar — e ninguém tocava com mais alma do que ele.

Stevie Wonder em 1980.

Entre o calor e a consciência

A abertura com “Did I Hear You Say You Love Me” já revela o espírito do álbum: arranjos vibrantes, metais em ebulição, baixo pulsante. Uma faixa sobre o amor, mas carregada de urgência — como se o afeto fosse também uma forma de resistência.

“All I Do”, baseada numa demo de 1966, traz um clima de soul clássico. Com backing vocals luxuosos (Michael Jackson entre eles), a faixa é puro deleite emocional. É sobre aquele tipo de amor que escapa da razão, mas nos ancora no mundo.

Com seus sintetizadores suaves e climas etéreos, “Rocket Love” é uma das joias do disco. Há uma beleza melancólica nessa balada que fala de amor e abandono como quem escreve olhando pela janela em um dia de chuva — mesmo que o título evoque o espaço sideral.

“I Ain’t Gonna Stand For It” é a surpresa country-soul do álbum, com vocais rasgados e uma letra que flerta com o protesto. Foi lançada como single e chegou ao top 10 do Reino Unido — mais uma prova da versatilidade de Stevie.

“As If You Read My Mind” tem groove e sensualidade, com arranjos que lembram o melhor do funk setentista, enquanto “Do Like You” é uma homenagem ao filho de Stevie — uma música sobre infância e memória, mas também sobre continuidade.

“Master Blaster (Jammin’)” é, talvez, a faixa mais conhecida do álbum. Um tributo explícito a Bob Marley (com quem Stevie quase saiu em turnê naquele ano), mistura reggae e funk com maestria. A letra é um chamado à união, à celebração da cultura negra e à resistência frente à opressão. A canção estourou nas paradas: top 5 nos EUA, Reino Unido, Canadá e vários países da Europa.

“Cash In Your Face” é, sem rodeios, uma canção sobre discriminação racial e segregação imobiliária. A letra denuncia com clareza: “You might have the cash / But you can’t cash in your face.” A crítica é dura, mas embalada num funk envolvente — o soco vem disfarçado de dança.

“Lately” é o momento mais vulnerável do álbum. Uma balada dolorosa sobre a suspeita de uma traição. Apenas voz e piano na maior parte da canção, com uma entrega vocal de Stevie que arrepia. Nos anos 1990, a boy band Jodeci regravaria a canção, levando-a de novo ao topo das paradas.

E então vem “Happy Birthday”. Um dos motivos centrais para a criação deste disco.

Stevie usou toda sua influência para tentar instituir um feriado nacional nos EUA em homenagem a Martin Luther King Jr. — algo que ainda não existia até então. “Happy Birthday” é uma canção com melodia leve, quase infantil, mas com um propósito político gigantesco. Stevie fez campanha, discursou em comícios, pressionou políticos. Três anos depois, em 1983, a data foi oficializada como feriado federal. Sim: Hotter Than July ajudou a mudar a história.

Ilustração da contracapa do álbum.

Recepção e impacto

O disco foi um sucesso comercial retumbante. Chegou ao número 3 nas paradas da Billboard 200 e ao número 2 nas paradas de R&B. No Reino Unido, alcançou o top 5 e permaneceu nas paradas por mais de um ano. Vendeu mais de 6 milhões de cópias no mundo todo.

Críticos da época o receberam com entusiasmo moderado. Alguns o viram como um “retorno seguro” após o experimentalismo de Secret Life of Plants, outros louvaram o equilíbrio entre pop e consciência social. Com o tempo, no entanto, Hotter Than July passou a ser visto como um dos álbuns mais sólidos e relevantes de Stevie.

Ele não tem a densidade de Innervisions, nem a ambição de Songs in the Key of Life, mas tem calor, clareza e propósito. E, principalmente, mostra que Stevie — mesmo nos anos 1980 — continuava a ser uma força viva, inquieta, essencial.

O legado de Hotter Than July é múltiplo.

Em termos musicais, foi um dos primeiros álbuns de soul da década a abraçar sem medo os sintetizadores e a sonoridade eletrônica sem perder a alma. Antecipou tendências do R&B dos anos 1980 e influenciou artistas como Prince, Terence Trent D’Arby e, mais tarde, D’Angelo.

Em termos políticos, foi um marco. Não é exagero dizer que a luta de Stevie pelo feriado em homenagem a Martin Luther King só teve êxito porque teve uma trilha sonora. E essa trilha sonora é Hotter Than July.

Na carreira de Stevie, o disco representa o último grande momento da sua era de ouro. Depois dele, vieram discos irregulares, algumas trilhas sonoras, colaborações, e uma carreira que se manteve viva, mas menos protagonista. Mas em 1980, ele provou que ainda era um mestre — e que ainda tinha muito a dizer.

Stevie Wonder não fez apenas um bom álbum com Hotter Than July. Ele construiu uma ponte entre os anos 1970 e 1980. Entre o soul engajado e o pop eletrônico. Entre o amor e a luta.

Em um tempo em que o mundo parecia escorregar para o cinismo e o conservadorismo, Stevie acendeu uma vela — ou talvez uma fogueira — e a ofereceu ao mundo. A chama ainda arde.

Porque há álbuns que passam. E há álbuns que permanecem como estações do ano dentro da alma.

Hotter Than July é verão eterno. Com suor, com ritmo, com memória. E com o compromisso de jamais deixar de sonhar — nem de lutar.

Faixas

Todas as músicas foram escritas, produzidas e arranjadas por Stevie Wonder, exceto onde indicado.

Lado 1

1."Did I Hear You Say You Love Me"

2."All I Do" (Wonder - Clarence Paul - Morris Broadnax)

3."Rocket Love"

4."I Ain't Gonna Stand for It"

5."As If You Read My Mind"

Lado 2

6."Master Blaster (Jammin')"