Stone Flower (CTI Records, 1970), Tom Jobim

Por Sidney Falcão 

No início da década de 1970, Antônio Carlos Jobim (1927-1994), ou simplesmente Tom Jobim, já não pertencia apenas ao Brasil. Depois de ter revolucionado a música popular com João Gilberto (1931-2019) e Vinicius de Moraes (1913-1980), e de ter conquistado o público norte-americano ao lado de Stan Getz (1927-1991) e Astrud Gilberto (1940-2023), o maestro carioca tornara-se uma entidade cosmopolita, dividido entre a mata e o arranha-céu, entre o canto do sabiá e o ruído das ruas de Nova York. Quando grava Stone Flower, em 1970, ele está imerso nessa dualidade. Mora parte do tempo nos Estados Unidos, onde encontra o clima ideal para aprofundar sua pesquisa sonora sob a tutela de Creed Taylor (1929-2022) — o produtor da CTI Records, selo que transformaria a sofisticação da bossa nova em uma nova forma de jazz de câmara tropical. 

É um disco feito à meia-luz, moldado na penumbra dos estúdios da Van Gelder, em Nova Jersey, sob o ouvido clínico do engenheiro Rudy Van Gelder (1924-2016) — o mesmo que captou o hálito quente de John Coltrane (1926-1967) e o som azul de Miles Davis (1926-1991). Ali, Tom se vê cercado por músicos como Eumir Deodato, Airto Moreira, Urbie Green (1926-2018) e Hubert Laws, todos brasileiros ou estrangeiros já convertidos à espiritualidade da bossa nova. Stone Flower nasce dessa confluência: o encontro entre a contenção harmônica de Jobim, a precisão jazzística americana e o frescor inventivo de uma música que parecia brotar da terra e da água. 

Stone Flower é uma obra que não busca o impacto, mas o equilíbrio. É o som de um arquiteto que esculpe o tempo, que planeja o silêncio e o som como quem constrói um jardim japonês. Cada faixa é um pequeno mundo autossuficiente, sustentado por um sopro de flauta, por uma percussão que soa como chuva distante ou por um piano que parece conversar com o vento. A atmosfera é de introspecção, como se Tom, entre a mata e a metrópole, tivesse encontrado o ponto exato onde a saudade se torna ciência. 

A sonoridade de Stone Flower é de uma delicadeza quase mineral. Tudo é lapidado — não há sobras, não há pressa. O disco parece girar em torno da ideia de equilíbrio, um conceito que Jobim perseguiu como quem busca o desenho ideal de uma folha. O piano é discreto, mas profundamente expressivo; o violão, quando aparece, é como um traço de carvão sobre o papel; a percussão de Airto Moreira é leve como uma respiração. Os metais e madeiras orquestrados por Deodato se entrelaçam em movimentos suaves, sustentando a tensão entre o erudito e o popular, entre o natural e o urbano. 

A diferença em relação aos discos anteriores de Tom, como Wave (1967), é a temperatura. Se Wave ainda trazia o brilho solar do Rio de Janeiro transposto para o Atlântico, Stone Flower é um disco de fim de tarde. A melancolia paira sobre os arranjos, não como tristeza, mas como contemplação. O som parece vir de dentro da floresta, mas filtrado pela técnica impecável da CTI. 

Tom Jobim em 1967, ano em que lançou o aclamado álbum Wave.

O álbum abre com “Tereza My Love” que traz um toque macio de um sonho. O piano de Jobim conduz a melodia como quem escreve uma carta íntima. As flautas de Hubert Laws flutuam sobre um ritmo lento, agradável, quase suspenso, enquanto o trombone de Urbie Green dá contorno a uma emoção que não se revela de imediato. Há um ar de saudade sem drama, uma ternura que nasce do silêncio. É o início perfeito para um álbum que parece fluir como um rio calmo. 

A faixa seguinte, “Children’s Games (Jogos de Criança)”, é dotada de notas que parecem cristalinas. O tema, já conhecido em versões orquestrais anteriores, ganha aqui uma aura impressionista: o piano de Jobim soa como gotas d’água, e a flauta Hubert Laws sopra ventos que lembram Debussy nos trópicos. Jobim cria uma paisagem sonora onde o lúdico e o sofisticado se tocam. É a simplicidade transformada em arte — um traço essencial da genialidade de Tom. 

Com “Choro”, Jobim mergulha nas raízes mais profundas da música brasileira. O título remete à tradição do choro urbano carioca, mas o tratamento é quase camerístico. O arranjo é contido, elegante, construído sobre um diálogo entre flauta e piano que parece evocar o passado sem jamais repeti-lo. É uma síntese entre o Rio antigo e o jazz moderno — o Brasil reinventado no estúdio de Van Gelder. 

Jobim revisita Ary Barroso com reverência e ousadia em “Brazil”, versão internacional da antológica “Aquarela do Brasil”. Sua versão de “Brazil” é uma reinvenção completa, que transforma o hino nacionalista em um mantra harmônico. Enquanto o ritmo exibe sensualidade e encantamento, os arranjos elaborados por Eumir Deodato criam uma atmosfera quase cinematográfica. O Brasil de Tom não é o das bandeiras e carnavais: é o Brasil íntimo, de melancolia e brisa noturna, que ele carrega na alma. 

A faixa-título é o coração do disco. “Stone Flower é uma peça hipnótica, construída sobre acordes repetidos e sutis mudanças de textura. A percussão e o baixo conduzem um ritmo que sutilmente remete ao baião propagado por Luiz Gonzaga. O tema serpenteia com a lógica de uma planta crescendo: lenta, orgânica, inevitável. A percussão discreta de Airto Moreira dá movimento ao que parece imóvel. O resultado é de pura magia. “Stone Flower” soa como uma oração pagã, um rito da natureza transformado em música. É aqui que o título do álbum se revela por completo — uma flor de pedra, símbolo da beleza resistente, do equilíbrio entre o efêmero e o eterno.

Um dos momentos mais introspectivos do disco é a faixa “Amparo”. Ela é quase uma miniatura impressionista, onde o piano e as cordas desenham o contorno de uma lembrança. Há uma delicadeza quase dolorosa na maneira como Tom manipula o espaço — cada pausa tem peso, cada nota tem destino. O tema parece flutuar no ar, como se não quisesse se fixar em lugar algum. 

Em Stone Flower, Jobim revista Ary Barroso (foto) através de "Aquarela do Brasil",

Em “Andorinha”, a natureza fala alto. O tema, que mais tarde apareceria com letra de Chico Buarque, é apresentado como uma peça instrumental de rara pureza. A melodia lembra o voo de uma ave: livre, ondulante, precisa. A flauta de Laws é o fio condutor, e o piano elétrico acompanha em movimentos suaves, quase hipnóticos. “Andorinha” é o Jobim ecológico e filosófico, o homem que enxerga música nos gestos do mundo natural. 

“God and the Devil in the Land of the Sun” traz a pulsação mais densa do álbum. O ritmo de Airto Moreira evoca o batuque primitivo, enquanto os metais criam um cenário de tensão espiritual. É o diálogo entre o sagrado e o profano, o sol e a sombra — temas caros a Jobim, que aqui assume um tom quase bíblico, mas sem abandonar o lirismo. É o ponto mais ousado do disco, e também o mais cinematográfico. 

O encerramento do é álbum é uma volta ao lar e traz Tom Jobim cantando uma canção por inteiro neste álbum. “Sabiá”, parceria com Chico Buarque, é uma das canções mais pungentes da MPB. A versão instrumental do álbum preserva a melancolia original, mas acentua sua dimensão contemplativa. O arranjo é etéreo, quase espiritual. Ao fim, o disco se fecha como começou: com doçura e silêncio. O ciclo está completo. 

Chico Buarque e Tom Jobim em 1968: parceiros de "Sabiá", gravada dois anos
depois por Tom para o disco Stone Flower.

Quando Stone Flower foi lançado pela CTI Records em 1970, a crítica norte-americana recebeu o álbum com entusiasmo contido — como algo “elegante demais” para o mercado popular, mas “belo demais” para ser ignorado. Na época, o jazz passava por transformações intensas com Miles Davis e Herbie Hancock explorando a eletricidade e o groove, enquanto Jobim seguia na contramão: suas harmonias eram analógicas, quase orgânicas, e seu tempo era o da respiração. 

O disco não foi um grande sucesso comercial, mas conquistou lugar de respeito entre músicos e colecionadores. Sua influência se estendeu silenciosamente: Herbie Mann, Quincy Jones e Claus Ogerman beberam dessa estética de silêncio e contenção. Décadas depois, Stone Flower seria redescoberto por audiências jovens atraídas pelo charme discreto da CTI Records e pelo apelo atemporal da bossa nova instrumental. 

Para Tom, o álbum representou o amadurecimento máximo de uma fase iniciada com Wave. Se Wave era o encontro entre o Brasil e o mundo, Stone Flower é o Brasil interiorizado — um Brasil sonhado. É o som de um artista que domina plenamente sua linguagem e, por isso, ousa falar menos. 

Com Stone Flower, Tom Jobim reafirma-se como arquiteto do som, mais que compositor. Seu método equilibra emoção e forma, explorando o silêncio e o espaço com contenção e precisão. O título simboliza essa fusão entre natureza e estrutura: a música brota da pedra, unindo rigor e fluidez. Nenhum outro disco seu expressa tão bem essa unidade. Intocado pelo tempo, Stone Flower mantém frescor e mistério — beleza que habita os intervalos entre as notas, revelando um artista maduro que compreende o poder do que se deixa ouvir.

 

Faixas

Todas músicas foram compostas por Tom Jobim, exceto a quarta faixa.

 

Lado A

1. "Tereza My Love"
2. "Children's Games"
3. "Choro"
4. "Brazil" (Ary Barroso) 

Lado B

1. "Stone Flower"
2. "Amparo"
3. "Andorinha"
4. "God and the Devil in the Land of the Sun"
5. "Sabiá" (lyrics by Chico Buarque)

 

Referências:

allaboutjazz.com

londonjazznews.com

thenanda.medium.com

wikipedia.org 

Ouça na íntegra o álbum Stone Flower